Program

In dieser Ausstellung treffen zwei Künstler*innen aufeinander, die unterschiedlicher kaum sein könnten, und gleichzeitig ausgesprochen viele Gemeinsamkeiten haben: Sie arbeiten vor allem als Zeichnerinnen, die immerwährende Auseinandersetzung mit der Linie ist ein vorrangiges Thema, und auch dies haben die Künstlerinnen gemeinsam: viele ihrer Zeichnungen entstehen im Raum, bewegen sich durch den Raum und haben eine ausgesprochen bildhauerische Qualität. Dort entfalten sie aber mehr als unterschiedliche Bildwelten, Raumwirkungen und Dynamiken. Während sich die Raumzeichnungen von Katharina Hinsberg mit einer geradezu sezierenden Klarheit als fragile Linien durch den Raum bewegen, geht von den Zeichnungen Monika Grzymalas eine eruptive, explosionsartige Wucht aus, mit der ihre mächtigen Linienbündel den Raum durchdringen und besetzen.

Die Künstlerinnen werden die Räume gemeinsam bespielen. Die Ausstellung entsteht in einem fortlaufenden Dialog zwischen den Künstlerinnen über ihre Vorstellungen zum Thema der Zeichnung.

Sarah Lucas (*1962 in London, UK) setzt sich in ihrem Werk kritisch-humorvoll mit Aspekten des menschlichen Körpers und seinen gesellschaftlichen Zuschreibungen auseinander. Geprägt von radikaler Formensprache hinterfragt sie in ihren Fotografien, Skulpturen und Installationen soziale Normen und Geschlechterstereotype. Oft finden Alltagsgegenstände und -sprache Eingang in ihr Werk, die sie spielerisch in neue Bedeutungszusammenhänge stellt und grundlegende Themen der Skulptur erkundet. In ihrer ersten institutionellen Ausstellung in Deutschland seit 2005 bringt Lucas Werke aus fast vier Dekaden künstlerischen Schaffens zusammen. Diese reichen von frühen Arbeiten der 1990er-Jahre bis hin zu jüngst entstandenen Werken, in denen sie Fragestellungen des Körperlichen im sozialen Feld weiterentwickelt.

Kommen Sie mit auf einen überraschenden Rundgang zu unterschiedlichen Themen und Motiven quer durch die Museumsräume. Im direkten Vergleich verschiedener Gemälde, Skulpturen und Installationen ergeben sich vielfältige Erkenntnisse zu künstlerischen Fragestellungen und Ideen.

In dieser Ausstellung treffen zwei Künstler*innen aufeinander, die unterschiedlicher kaum sein könnten, und gleichzeitig ausgesprochen viele Gemeinsamkeiten haben: Sie arbeiten vor allem als Zeichnerinnen, die immerwährende Auseinandersetzung mit der Linie ist ein vorrangiges Thema, und auch dies haben die Künstlerinnen gemeinsam: viele ihrer Zeichnungen entstehen im Raum, bewegen sich durch den Raum und haben eine ausgesprochen bildhauerische Qualität. Dort entfalten sie aber mehr als unterschiedliche Bildwelten, Raumwirkungen und Dynamiken. Während sich die Raumzeichnungen von Katharina Hinsberg mit einer geradezu sezierenden Klarheit als fragile Linien durch den Raum bewegen, geht von den Zeichnungen Monika Grzymalas eine eruptive, explosionsartige Wucht aus, mit der ihre mächtigen Linienbündel den Raum durchdringen und besetzen.

Die Künstlerinnen werden die Räume gemeinsam bespielen. Die Ausstellung entsteht in einem fortlaufenden Dialog zwischen den Künstlerinnen über ihre Vorstellungen zum Thema der Zeichnung.

Kommen Sie mit auf einen überraschenden Rundgang zu unterschiedlichen Themen und Motiven quer durch die Museumsräume. Im direkten Vergleich verschiedener Gemälde, Skulpturen und Installationen ergeben sich vielfältige Erkenntnisse zu künstlerischen Fragestellungen und Ideen.

In dieser Ausstellung treffen zwei Künstler*innen aufeinander, die unterschiedlicher kaum sein könnten, und gleichzeitig ausgesprochen viele Gemeinsamkeiten haben: Sie arbeiten vor allem als Zeichnerinnen, die immerwährende Auseinandersetzung mit der Linie ist ein vorrangiges Thema, und auch dies haben die Künstlerinnen gemeinsam: viele ihrer Zeichnungen entstehen im Raum, bewegen sich durch den Raum und haben eine ausgesprochen bildhauerische Qualität. Dort entfalten sie aber mehr als unterschiedliche Bildwelten, Raumwirkungen und Dynamiken. Während sich die Raumzeichnungen von Katharina Hinsberg mit einer geradezu sezierenden Klarheit als fragile Linien durch den Raum bewegen, geht von den Zeichnungen Monika Grzymalas eine eruptive, explosionsartige Wucht aus, mit der ihre mächtigen Linienbündel den Raum durchdringen und besetzen.

Die Künstlerinnen werden die Räume gemeinsam bespielen. Die Ausstellung entsteht in einem fortlaufenden Dialog zwischen den Künstlerinnen über ihre Vorstellungen zum Thema der Zeichnung.

Sarah Lucas (*1962 in London, UK) setzt sich in ihrem Werk kritisch-humorvoll mit Aspekten des menschlichen Körpers und seinen gesellschaftlichen Zuschreibungen auseinander. Geprägt von radikaler Formensprache hinterfragt sie in ihren Fotografien, Skulpturen und Installationen soziale Normen und Geschlechterstereotype. Oft finden Alltagsgegenstände und -sprache Eingang in ihr Werk, die sie spielerisch in neue Bedeutungszusammenhänge stellt und grundlegende Themen der Skulptur erkundet. In ihrer ersten institutionellen Ausstellung in Deutschland seit 2005 bringt Lucas Werke aus fast vier Dekaden künstlerischen Schaffens zusammen. Diese reichen von frühen Arbeiten der 1990er-Jahre bis hin zu jüngst entstandenen Werken, in denen sie Fragestellungen des Körperlichen im sozialen Feld weiterentwickelt.

In dieser Ausstellung treffen zwei Künstler*innen aufeinander, die unterschiedlicher kaum sein könnten, und gleichzeitig ausgesprochen viele Gemeinsamkeiten haben: Sie arbeiten vor allem als Zeichnerinnen, die immerwährende Auseinandersetzung mit der Linie ist ein vorrangiges Thema, und auch dies haben die Künstlerinnen gemeinsam: viele ihrer Zeichnungen entstehen im Raum, bewegen sich durch den Raum und haben eine ausgesprochen bildhauerische Qualität. Dort entfalten sie aber mehr als unterschiedliche Bildwelten, Raumwirkungen und Dynamiken. Während sich die Raumzeichnungen von Katharina Hinsberg mit einer geradezu sezierenden Klarheit als fragile Linien durch den Raum bewegen, geht von den Zeichnungen Monika Grzymalas eine eruptive, explosionsartige Wucht aus, mit der ihre mächtigen Linienbündel den Raum durchdringen und besetzen.

Die Künstlerinnen werden die Räume gemeinsam bespielen. Die Ausstellung entsteht in einem fortlaufenden Dialog zwischen den Künstlerinnen über ihre Vorstellungen zum Thema der Zeichnung.

In dieser Führung werden anhand ausgewählter Blätter aus der Graphischen Sammlung der Kunsthalle Mannheim die unterschiedlichen Hochdruck-Techniken erklärt und betrachtet. Der Hochdruck ist die erste zu Vervielfältigung genutzte Drucktechnik, die insbesondere im 20. Jahrhundert eine Renaissance erlebt hat.

Gezeigt werden Holzschnitte von Albrecht Dürer, Sebald Beham, Virgil Solis oder Karl Schmidt-Rottluff, Ernst Ludwig Kirchner und Francesco Clemente, die selten verwendete Technik des Holzstichs anhand ausgewählter Beispiele von Adolph von Menzel sowie Linoldrucke von Hans Grundig, Pablo Picasso und anderen mehr.

Kommen Sie mit auf einen überraschenden Rundgang zu unterschiedlichen Themen und Motiven quer durch die Museumsräume. Im direkten Vergleich verschiedener Gemälde, Skulpturen und Installationen ergeben sich vielfältige Erkenntnisse zu künstlerischen Fragestellungen und Ideen.

Wie können Kunstwerke im digitalen Raum in ihrer einzigartigen Qualität vermittelt werden? Der Frage gingen das Kunstmuseum Stuttgart und die Kunsthalle Mannheim in dem gemeinsamen, mehrjährigen Forschungsprojekt »Vom Werk zum Display« nach. Für 22 Kunstwerke beider Sammlungen wurden Episoden entwickelt, die neue, experimentelle Vermittlungsansätze für den digitalen Raum verfolgen. Vor Ort in den Museen ist ein direkter Vergleich zwischen Original und digitaler Übersetzung möglich.

Für jedes der ausgesuchten Werke – darunter Objekte aus dem 19. Jahrhundert bis hin zu zeitgenössischen Arbeiten – wurde eine individuelle digitale Präsentationsform erarbeitet. So wurde in der Kunsthalle Mannheim unter anderem Édouard Manets Werk „Die Erschießung Kaiser Maximilians“ (1868–69) aus der eigenen Sammlung mit drei weiteren Versionen aus Museen in Boston, London und Kopenhagen virtuell überlagert. Durch die Übersetzung ins Digitale wird die Entwicklung der Bildkomposition unmittelbar ersichtlich und nachvollziehbar. Das kinetische Objekt „Kurbelwald“ (1991) von Ernst Reinold, welches für gewöhnlich in einem Museum von Besucher*innen nicht berührt werden darf, lässt sich nun auf einem Bildschirm in Bewegung setzen. Auch die Installation „Resonanz Raum“ (2020) von Nevin Aladağ erhält in der Kunsthalle eine digitale Transformation mittels derer Nutzer*innen Musik nicht nur hören können, sondern auch in der Lage sind diese selbst zu mischen. Rangezoomt bis unmittelbar auf die Oberfläche und mit einer Hörcollage aus futuristischen Manifesten hinterlegt, verwandelt sich wiederum die Bronzeskulptur „Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum“ (1913) des Künstlers Umberto Boccioni in eine futuristische Landschaft.

In der Kunsthalle Mannheim gibt es außerdem Episoden zu Kunstwerken von Constantin Brâncuşi, Gustave Courbet, Caspar David Friedrich, Richard Long, Franz Marc, Louise Nevelson sowie eine Episode zur Kinetischen Kunst mit Werken von Jean Tinguely, Ernst Reinold und Adolf Luther.

Kommen Sie mit auf einen überraschenden Rundgang zu unterschiedlichen Themen und Motiven quer durch die Museumsräume. Im direkten Vergleich verschiedener Gemälde, Skulpturen und Installationen ergeben sich vielfältige Erkenntnisse zu künstlerischen Fragestellungen und Ideen.

Sarah Lucas (*1962 in London, UK) setzt sich in ihrem Werk kritisch-humorvoll mit Aspekten des menschlichen Körpers und seinen gesellschaftlichen Zuschreibungen auseinander. Geprägt von radikaler Formensprache hinterfragt sie in ihren Fotografien, Skulpturen und Installationen soziale Normen und Geschlechterstereotype. Oft finden Alltagsgegenstände und -sprache Eingang in ihr Werk, die sie spielerisch in neue Bedeutungszusammenhänge stellt und grundlegende Themen der Skulptur erkundet. In ihrer ersten institutionellen Ausstellung in Deutschland seit 2005 bringt Lucas Werke aus fast vier Dekaden künstlerischen Schaffens zusammen. Diese reichen von frühen Arbeiten der 1990er-Jahre bis hin zu jüngst entstandenen Werken, in denen sie Fragestellungen des Körperlichen im sozialen Feld weiterentwickelt.

Kunstwerke von Bildhauer*innen sind dreidimensional, also räumlich – nicht einfach flach wie ein Bild. Es sind Skulpturen, um die man drum herumgehen und die man von allen Seiten angucken kann. Bei diesem 2-tägigen Workshop lernen wir in der Kunsthalle Mannheim weiße, schwarze, braune, aber auch bunte Skulpturen kennen – und entdecken, aus welchem Material und mit welchen Werkzeugen die Künstler*innen ihre Werke geschaffen haben. Im Atelier erfinden und gestalten wir dann eigene Skulpturen-Figuren und andere räumliche Kunstwerke, um die wir dann auch drum herumspazieren können!

Blaue Bäume, rosa Berge, eine gelbe Katze und zwei Mädchen, ganz orange – so bunt sind die Bilder in der Kunsthalle Mannheim. Bei diesem 2-tägigen Workshop erforschen wir in der Ausstellung die Gemälde der Künstlergruppen „Die Brücke“ und „Der Blaue Reiter“, die all ihre Gefühle mit sehr viel Farbe und Schwung auf die Leinwand pinselten. Im Atelier holen wir tief Luft, spüren unser Herz, tauchen dann den Pinsel in die rote, blaue, gelbe Farbe – und malen Bilder, so bunt und wild hat die Welt noch keine gesehen!

Kunstwerke von Bildhauer*innen sind dreidimensional, also räumlich – nicht einfach flach wie ein Bild. Es sind Skulpturen, um die man drum herumgehen und die man von allen Seiten angucken kann. Bei diesem 2-tägigen Workshop lernen wir in der Kunsthalle Mannheim weiße, schwarze, braune, aber auch bunte Skulpturen kennen – und entdecken, aus welchem Material und mit welchen Werkzeugen die Künstler*innen ihre Werke geschaffen haben. Im Atelier erfinden und gestalten wir dann eigene Skulpturen-Figuren und andere räumliche Kunstwerke, um die wir dann auch drum herumspazieren können!

Blaue Bäume, rosa Berge, eine gelbe Katze und zwei Mädchen, ganz orange – so bunt sind die Bilder in der Kunsthalle Mannheim. Bei diesem 2-tägigen Workshop erforschen wir in der Ausstellung die Gemälde der Künstlergruppen „Die Brücke“ und „Der Blaue Reiter“, die all ihre Gefühle mit sehr viel Farbe und Schwung auf die Leinwand pinselten. Im Atelier holen wir tief Luft, spüren unser Herz, tauchen dann den Pinsel in die rote, blaue, gelbe Farbe – und malen Bilder, so bunt und wild hat die Welt noch keine gesehen!

Buch-Club zur Ausstellung „Sarah Lucas – Sense of Human“

Die britische Künstlerin Sarah Lucas (*1962 in London, UK) setzt sich in ihrem vielschichtigen Werk kritisch und humorvoll mit Aspekten des menschlichen Körpers und seinen gesellschaftlichen Zuschreibungen auseinander. Oft finden Alltagsgegenstände und saloppe Sprache Eingang in ihr Werk, das sie spielerisch in neue Bedeutungszusammenhänge stellt und in dem sie grundlegende Themen der Bildhauerei erkundet.

Im Programm zur Ausstellung greift die Kunsthalle Mannheim zentrale Begrifflichkeiten auf: Körper, Feminismus und Klassismus Der neu gegründete „Buch-Club“ der Kunsthalle Mannheim bietet an vier die Ausstellung begleitenden Terminen einen Blick in aktuelle Publikationen und mediale Beiträge, in denen Sie die tiefgreifenden Einflüsse von Armut und finanzieller Knappheit auf unser tägliches Leben erkunden können. Wie schreiben sich die Erfahrungen, die wir im Laufe unseres Lebens sammeln, tief in unsere Identität ein?

Jeder Körper mit all seinen Eigenschaften – Gesundheit, Behinderung, Geschlecht, Hautfarbe, Herkunft, etc. – erfährt eine andere Realität.

Unsere Herkunft beeinflusst nicht nur, was wir essen und wie wir aussehen und was wir wahrnehmen, sondern auch unsere Vorstellungen von Schönheit und Selbstwert, sowie unser Verhältnis zu unserem eigenen Körper.

Die Diskussion wird auch darauf eingehen, wie sich die soziale Herkunft in unseren Einstellungen zur Sexualität, Ästhetik, Gesundheit und Krankheit zeigt und wie sie durch Gewohnheiten über Generationen hinweg weitergegeben werden. Wie können solche Muster „sozialer Gene“ durchbrochen werden?

Leitung: Dr. Andrea Chagas López (sie/ihr) Soziolinguistin, transdisziplinäre Forscherin und Akivistin.

Der Buch-Club wird in Kooperation mit der Stadtbibliothek Mannheim, dem Queeren Zentrum Mannheim e.V., dem Frauenbuchladen Xanthippe sowie dem Verein Ausweg Rhein-Neckar-Initiative gegen Armut und Klassismus in Mannheim konzipiert und durchgeführt.´

Mittwoch, 04.09.24
Buch-Club: Klassismus.

Die Teilnahme an den Kunststationen ist kostenfrei.

Wie können Kunstwerke im digitalen Raum in ihrer einzigartigen Qualität vermittelt werden? Der Frage gingen das Kunstmuseum Stuttgart und die Kunsthalle Mannheim in dem gemeinsamen, mehrjährigen Forschungsprojekt »Vom Werk zum Display« nach. Für 22 Kunstwerke beider Sammlungen wurden Episoden entwickelt, die neue, experimentelle Vermittlungsansätze für den digitalen Raum verfolgen. Vor Ort in den Museen ist ein direkter Vergleich zwischen Original und digitaler Übersetzung möglich.

Für jedes der ausgesuchten Werke – darunter Objekte aus dem 19. Jahrhundert bis hin zu zeitgenössischen Arbeiten – wurde eine individuelle digitale Präsentationsform erarbeitet. So wurde in der Kunsthalle Mannheim unter anderem Édouard Manets Werk „Die Erschießung Kaiser Maximilians“ (1868–69) aus der eigenen Sammlung mit drei weiteren Versionen aus Museen in Boston, London und Kopenhagen virtuell überlagert. Durch die Übersetzung ins Digitale wird die Entwicklung der Bildkomposition unmittelbar ersichtlich und nachvollziehbar. Das kinetische Objekt „Kurbelwald“ (1991) von Ernst Reinold, welches für gewöhnlich in einem Museum von Besucher*innen nicht berührt werden darf, lässt sich nun auf einem Bildschirm in Bewegung setzen. Auch die Installation „Resonanz Raum“ (2020) von Nevin Aladağ erhält in der Kunsthalle eine digitale Transformation mittels derer Nutzer*innen Musik nicht nur hören können, sondern auch in der Lage sind diese selbst zu mischen. Rangezoomt bis unmittelbar auf die Oberfläche und mit einer Hörcollage aus futuristischen Manifesten hinterlegt, verwandelt sich wiederum die Bronzeskulptur „Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum“ (1913) des Künstlers Umberto Boccioni in eine futuristische Landschaft.

In der Kunsthalle Mannheim gibt es außerdem Episoden zu Kunstwerken von Constantin Brâncuşi, Gustave Courbet, Caspar David Friedrich, Richard Long, Franz Marc, Louise Nevelson sowie eine Episode zur Kinetischen Kunst mit Werken von Jean Tinguely, Ernst Reinold und Adolf Luther.

REIHE: Kunst und Religion – Gespräch am Werk

Eine Kooperation des Ökumenischen Bildungszentrum sanctclara Mannheim mit der Kunsthalle Mannheim.

Hat die zeitgenössische Kunst noch (oder schon wieder) irgendwelche relevanten Berührungspunkte mit religiösen Fragestellungen? Gibt es Themen, die sowohl künstlerische als auch religiöse bzw. spirituelle Relevanz haben? Vor dem Original ergeben sich spannende Gespräche mit den Teilnehmerinnen und Teilnehmern, die zu Fragen und Assoziationen zu den Werken herzlich eingeladen sind.

→ Mittwoch, 01.05.2024, 19 Uhr: Kunst & Religion mit Pfarrer Marius Fletschinger und Kunsthistorikerin Dr. Dorothee Höfert

Thema: Heinz Mack, Mirror of an Angel

In der aktuellen Sammlungspräsentation der Kunsthalle befindet sich ein glänzendes Objekt aus Aluminium, das wie ein Paravent gefaltet ist. Es trägt den Titel „Mirror of an Angel - Spiegel eines Engels“, geschaffen vom bedeutenden Nachkriegskünstler Heinz Mack (*1931). Er wurde mit seinen ungewöhnlichen Licht-Experimenten bekannt, für die er in den 60er und 70er Jahren in die Sahara reiste. Dort fing er mit verschiedenen reflektierenden Materialien in der flirrenden Wüstensonne das intensive Licht ein, das er als geistige Energiequelle und als inspirierende Naturkraft erlebte. Diese Haltung teilt er z.B. mit frühchristlichen Eremiten, die gerade in der Einsamkeit der Wüste und unter extremen klimatischen Bedingungen zu besonderen spirituellen Erfahrungen gelangten. Das Objekt von Heinz Mack lädt ein zu Überlegungen, wie Licht und Raum den menschlichen Geist bewegen und erweitern.

→ Mittwoch, 05.06.2024, 19 Uhr: Kunst & Religion mit Pfarrer Peter Annweiler und Kunsthistorikerin Dr. Dorothee Höfert

Thema: Rudolf Belling, Dreiklang